"Imagine John Lennon" (Andrew Solt, 1988)

La primera vez que vi “Imagine John Lennon” fue en la década de los noventa, fue en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, solo, una noche lluviosa. Esta vez pude verla en la comodidad de mi hogar y en compañía de un grupo de amigos que usábamos el filme como pretexto para despedirnos de una amiga fanática del ex-beatle.

Confieso que gran parte de la fascinación que me produjo la obra de Andrew Solt sigue intacta, y es que una película cuyo director de fotografía es Néstor Almendros (Ma nuit chez Mauds, El Infante Salvaje, Amor en la tarde, El hombre que amaba las mujeres y la Elección de Sofía, entre muchas otras) debe tener al menos algo rescatable. Y si al talento de Almendros, se le suma el trabajo de David L. Wolper (Raíces y Willy Wonka y la fábrica de Chocolates), es muy factible que la película sea una obra valiosa. “Imagine John Lennon” lo es. Es un interesante y personal documental que narra la vida del ex-beatle a través de su propia voz, de cientos de horas de grabación que Lennon hizo sobre sí mismo y de entrevistas hechas a quienes lo conocieron personalmente.

La película no cuenta con una voz en off que nos narre la historia; es Lennon a través de la meticulosa selección hecha por Solt quien nos presenta los hechos más significativos de su vida. La apuesta narrativa del director es tan interesante como difícil, en 1995 Solt fracasaría contando la historia del rock usando el mismo método que empleó en “Imagine John Lennon.” La diferencia entre sus dos obras es clara, mientras el documental sobre el ex-beatle presenta una visión íntima de la vida de Lennon, “La Historia del Rock” se pierde en devaneos incomprensibles, en pequeñas historias imposibles de seguir para el espectador.

“Imagine John Lennon” no debe entenderse, sin embargo, como un documental histórico, mas como un filme acerca del Lennon que John imaginó ser. Gran parte del material de la película son grabaciones caseras que el ex-beatle hizo de sí mismo; en ellas se encuentra la imagen que él quiso dejar en las cámaras, parte de la obra dramática que Lennon usó para defender sus ideas y para crear la leyenda que hoy todavía existe. Por eso, porque la película no es un documental histórico mas una versión artística de la historia de Lennon, es entendible que acciones tan reprochables como el abandono de su hijo mayor, Julian, sean comentarios anecdóticos que nunca cuestionan la integridad moral del personaje.

Para quienes admiramos a Lennon y para quienes compartimos sus sueños de paz y no-violencia “Imagine John Lennon” es un bello poema a la obra de un gran artista. Un bello poema cuyo coro es nada menos que Imagine la canción más popular que Lennon escribió como solista. A través de ella, Solt nos cuenta los sueños de un hombre que se atrevió a imaginar un mundo sin guerras, sin religiones y sin propiedad privada. Cada estrofa de la canción introduce un segmento de la película y nos recuerda que quizás seamos sólo soñadores, pero algún día otros se nos unirán y el mundo será uno solo.

Existenz, o el terror de nuestras certezas (Cronenberg, 1999)

Sólo unos meses después de “The Matrix” (hermanos Wachawski, 1999) David Cronenberg estrenó “Existenz”, una película que también cuestiona nuestras certezas sobre la realidad. Sin embargo, en el filme de Cronenberg el reto es mayor, ya que en esta historia de juegos verdaderos y realidades virtuales, el espectador nunca sabe qué es lo real de todo lo que está viendo.

La película empieza cuando un fanático intenta asesinar a Allegra Geller (Jennifer Jason Leigh) quien se encuentra con otros participantes jugando Existenz, el último juego virtual que ha creado. Gracia a la ayuda de Ted Pikul (Jude Law), Allegra logra escapar. La fuga da inicio a una serie de juegos virtuales que conducen a varios niveles de realidad en los cuales Cronenberg utiliza toda su magia para crear su típico horror biológico, con figuras mutantes que atemorizan a los personajes principales pero que a su vez les abren las puertas para otras realidades virtuales más entretenidas.

Mientras escapan, Pikul y Allegra encuentran a Gas ( William Dafoe) un mecánico que pese a admirar Allegra por crear un juego que le permite ser Dios, (un Dios mecánico, afirma sonriente Gas) decide traicionar a los personajes principales. Milagrosamente Law y Jason Leigh logran escapar, para caer de nuevo en otra redada de juegos virtuales y traiciones. Pese a ser un papel secundario, la actuación de Dafoe y el diseño de la película son quizás, lo más convincente del filme. En un mundo rural, precario (no aparecen nunca ningún electrodoméstico) y lleno de criaturas inverosímiles, Cronenberg logra crear un terror metafísico, que cuestiona nuestras certezas sobre la realidad.

Pese a no contar con los efectos especiales de “The Matrix”, “Existenz” plantea un reto mayor para el espectador. Mientras que en la película de los hermanos Wachawski, el espectador cuenta con suficientes elementos para diferenciar lo real de lo virtual, en Existenz esta labor es imposible. Ni siquiera al final, cuando Allegra retorna a la realidad, después de asesinar a Ted, y se encuentra con todos los personajes del juego. En una brillante escena, los personajes principales, luego de asesinar al “real” creador de la aventura se encuentran con uno de los participantes, quien asustado afirma: “es esto parte del juego, ¿no?” Ted y Allegra se miran, porque saben que nunca podrán responder esta pregunta.

Escrita y dirigida por David Cronenberg; director de fotograf[ia, Peter Suschitzky; editada por Ronald Sanders; música de Howard Shore; producida por Robert Lantos, Andras Hamori y Cronenberg; Dimension Films. 90 minutos. Con: Jennifer Jason Leigh (Allegra Geller), Jude Law (Ted Pikul), Ian Holm (Kiri Vinokur), Don McKellar (Yevgeny Nourish), Sarah Polley (Merle) y Willem Dafoe (Gas).

5. La Reina, la tradición no está rota (Frears, 2007)

El grato recuerdo de una de las últimas películas de Frears,"Dirty Pretty Things" (2003), y los buenos comentarios que había leído sobre "The Queen" me ilusionaron con la calidad de la película. Sí, es cierto, a mí también me sucede lo que a muchos otros, uno llega a cine convencido de que va a ver una obra selecta y termina insultando a todos aquellos que le aconsejaron ver la película.

Pues bien, con "The Queen" casi me pasó lo mismo, pero luego me convencí que el equivocado era yo. La verdad es que todo conjuraba para que The Queen me pareciera una película horrible; quizás no exista tema que me produzca más repugnancia que las crónicas del Jet Set y de la monarquía ¿Cómo explicar, cómo entender que millones de personas gasten sumas cuantiosas de dinero y de tiempo para mantener un célebre grupo de parásitos? ¿Alguien podría explicarme, qué bien le hace a la sociedad inglesa, ese grupo de personas que gasta millones de libras esterlinas mientras muchos de sus súbditos apenas logran vivir dignamente?

La calidad de la película puede juzgarse por el hecho de que me olvidé de mis críticas a la realeza mientras vi la obra de Fears; quizás porque The Queen es un retrato humano de un ser desolado que ve como su poder y su Imperio es remplazado por la imagen mediática de Diana Spencer. A través de la maravillosa actuación de Hellen Mirren y de la sutil dirección de Frears, la película ofrece una íntima y profunda visión del mundo de la Reina Elizabeth; un mundo que se derrumba con la llegada de la frivolidad de los nuevos reyes del espectáculo.

En el medio de la película la reina observa como asesinaron y degollaron a un ciervo que ella admiraba por su belleza; el ciervo representa la nobleza que ha sido depuesta por un mundo sin reyes, pero con actores y cantantes. Al entierro de Diana no asistieron princesas, pero si fueron Elton John y Pavarotit, las nuevas altezas sin corona.

Bueno, no todo está perdido, al final Tony Blair recupera a la reina de la muerte mediática a la que la tradición la estaba llevando y así podemos ver cómo el más modernizante de los primeros ministros ingleses termina legitimando la tradición británica. Bonita ironía nos deja como enseñanza esta película.

Dirigida por Stephen Frears; escrita por Peter Morgan; director de fotografía, Affonso Beato; editada por Lucia Zucchetti; música de Alexandre Desplat; producida por Christine Langan, Tracey Seaward y Andy Harries; Miramax Films. 103 minutes. Con: Helen Mirren (the Queen), Michael Sheen (Tony Blair), James Cromwell (Prince Philip), Sylvia Syms (the Queen Mother), Alex Jennings (Prince Charles), Helen McCrory (Cherie Blair), Roger Allam (Sir Robin Janvrin) and Tim McMullan (Stephen Lamport).

4. Solo con tu pareja, el triste inicio de Cuarón (Cuarón, 1991)

Solo con tu pareja fue una de las primeras películas de Alfonso Cuarón. El guión, escrito por el mismo director en compañía de su hermano es una burda copia de varios episodios de comedias norteamericanas. Nuestro Don Juan, Tomás Tomás (Daniel Giménez Cacho) se ve en la situación de tener dos mujeres al mismo tiempo, una (su jefa) en el apartamento de sus amigos un piso abajo, la otra en su propio apartamento; similar situación había sido usada por la comedia estadounidense Tres es Compañía cuando Jack Tripper mantiene tres relaciones al mismo tiempo, cada una en un apartamento diferente.

En venganza a la acción realizada por Tomás Tomás, Silvia Silva (Dobrina Liubomirova) decide cambiar la prueba de ELISA de Tomás para hacerle creer que tiene Sida; desesperado, Tomás decide cometer suicidio junto con su vecina, quien está deprimida al descubrir que su prometido le es infiel con una azafata.

Al final, el vecino de Tomás logra salvarle la vida justo antes de que cometa suicidio; su vecina, decide conservar su vida pues un repentino amor por Tomás la ha convencido que no vale la pena suicidarse.

La película debe mucho a los primeros trabajos de Almodóvar, particularmente a Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) película que había sido recientemente nominada al Oscar como mejor película extranjera cuando Solo con tu pareja fue escrita. Cuarón, sin embargo, no logra establecer el grado mínimo de veracidad que requiere una farsa. Uno nunca entiende porqué Tomás es un seductor o por qué su vecina decide suicidarse. Aunque la película tiene momentos entretenidos, es difícil ver en ella el genio que Cuarón exhibiría en sus más recientes películas.

Producida y dirigida por Alfonso Cuarón; escrita por Alfonso Cuarón y Carlos Cuarón; director de fotografía, Emmanuel Lubezky; editada por Alfonso Cuarón; ediata por Alfonso Cuarón y Luis Patlán; música por Carlos Warman y Mozart; IFC First Take. At the IFC Center, 93 minutes. Daniel Giménez Cacho (Tomás), Claudia Ramírez (Clarisa), Luis de Icaza (Mateo), Astrid Hadad (Teresa), Dobrina Liubomirova (Silvia) and Isabel Benet (Gloria)

3. The Last King of Scotland: The racism of the indifference

This is a racist movie based on a racist book and yet it deserves to be watched. In a way, it commits the same mistake than the humanity committed during Idi Amin's government: indifference. Idi Amin was a horrible dictator who killed hundred of thousands of people; however, his brutality was something else than a picturesque commentary about a jovial savage only when he kidnapped white Jews in 1979; before this date, his crimes were just anecdotes in small newspapers and the cry of his potential victims never was listened.

The movie shares the same sin; the important crime, the thriller of the story is the persecution of a white Scottish doctor who became assistant of Amin. We suffer for his possible death but we, as spectators in The Last King of Scotland, do not care for the lives of the thousands of people from Uganda who were being killed. Their death is just a set of photographies in the movie; just background of the story that is important, the possible death of the white character.

With the exception of the death of Amin's wife, we are only worried for the death of white people because, for the movie, they are the only wise and good characters. The chief of security of Amin is a black person and not Bob Astles, Amin’s English advisor who actually helped him to build the security necessary to perpetuate his crimes. The movie does not tell us that Amin was trained and educated by the English army and that in this army he learned to use brutality to destroy his enemies. The movie is also silent about European and Israel's help to Amin even after he had committed some massacres in Uganda.

So, if the movie is racist why should we watch it? Well, for two reasons, one is the wonderful work of James Whitaker; he is able to give the necessary humanity to the monster that Idi Amin was; with his wonderful work, he is able to prove that even the worst of the criminals shares with us some human condition. Second, because it is good to remember the atrocities of Amin and the guilty silence of the rich countries. This world that cries just when people from one nationality dies; this world that does not protect the victims when their skin have color; this world that hides the crimes of its white politicians (is Kissinger in Jail?); this crazy and old world is the same that produced Amin and that would produce other brutal criminals if we do not do anything to avoid the rivers of blood that indifference and hate produce between us.

Una ventana a Zhang Yimou: Qiu Ju

Si tuviera que seleccionar una película que resumiera la obra de Zhang Yimou, el más famoso de los directores de la quinta generación china, posiblemente elegiría Qiu Ju, una mujer china. Lo haría, no sólo porque la película es una obra maestra, sino porque en ella se encuentran la mayoría de los elementos que hacen interesante las películas de Yimou:

1. La actuación de Gong Li: Uno de sus mejores trabajos; increíble que una actriz con el talento suficiente para interpretar una terca campesina china o una sofisticada cantante en Shangai haya podido hacer una actuación tan desastrosa como la de “Miami Vice”. No es un papel fácil el de Qiu Ju, no es un personaje que demande actuaciones estelares, sino pausas y silencios. Gong Li hace una actuación notoria interpretando a Qiu Ju, quien siempre pasa inadvertida.
2. La fotografía, más en la tradición del Neo-realismo italiano que en la de la nueva-ola francesa, Yimou decide filmar en las calles de China sin mayores pretensiones estilísticas. A diferencia de Godard, Yimou no filma lugares típicos y característicos de China, sino que muestra una ciudad (en realidad nunca sabemos dónde sucede la película) desde el punto de vista de una campesina que está viendo un mundo totalmente incomprensible para ella. La historia de Qiu Ju es rica en imágenes que pasan usualmente desapercibidas para quienes habitan grandes ciudades pero que impresionan a los visitantes rurales. Una valla con Arnold Schwarzenegger, jóvenes chinas con atuendos típicos occidentales y con maquillajes ajenos a la tradición de una aldea rural china. Las imágenes no nos presentan una ciudad, sino un conflicto; la batalla entre una China rural premoderna y una China urbana que busca occidentalizarse a toda costa.
3. Al igual que en Ni Uno Menos, Sorgo Rojo, Vivir, La Linterna Roja, El Camino a Casa, la heroína de la película sobresale por su tenacidad. Qui Ju arriesga continuamente su integridad física y económica con tal de lograr su objetivo, justicia para su esposo. Zhang Yimou es famoso por las múltiples dificultades que tuvo que superar para poder llegar a ser un director de cine, la leyenda cuenta que incluso tuvo que vender su sangre para poder comprar su primera cámara. A través de la tenacidad de sus heroínas, Yimou cuenta su propia vida.
4. Desde la filosofía del derecho, el tema es interesantísimo. Qiu Ju, logra en tres decisiones judiciales que el juez indemnice a su esposo, pero ella nunca queda conforme. Los jueces y funcionarios administrativos cumplen con su labor y penalizan al culpable pero no son capaces de lograr la reconciliación de los dos bandos. El conflicto se soluciona por un evento fortuito, el jefe le salva la vida a Qiu Ju cuando está dando a luz, pero justo cuando hay paz y armonía en la villa, las heridas vuelven a abrirse, el juez decide la cárcel para el jefe. La película termina corriendo para evitar la captura del jefe, pero ya es muy tarde.

Para todos aquellos interesados en el cine de Yimou, Qui Ju, es sin duda una bella ventana a través de la cual se puede otear la grandeza de su arte.

"Total Recall" El Desafío de estar despierto.

Pese a que nunca vi Desafío Total (Total Recall, Verhoeven 1990) durante mis estudios de Secundaria, las discusiones sobre esta película son uno de los recuerdos más vívidos que tengo de mi último año de Colegio. Ahora mismo, mientras escribo este artículo, me parece escuchar a Juan Carlos defendiendo la que entonces era la última película de Schwarzenegger ante mi desinterés por el cine que no era “culto”.

La última película de Verhoeven (Zwartboek, 2006) y la recomendación hecha por Christopher Falzon en su libro Philosophy goes to the Movies hicieron que cambiara de opinión y decidiera ver la versión en DVD del filme. Después de una década debo confesar que Desafío Total es una película interesante que genera suficientes preguntas como para ser invitada ideal en una clase de introducción a la filosofía.

Hay tres posibles lecturas de Desafío Total. En la primera, Douglas Quaid, (Arnold Schwarzenegger), frustrado ante su trágica cotidianidad (como diría Papini), decide acudir a una compañía para que le implanten una memoria con un viaje de vacaciones a Marte. Justo cuando la operación empieza, Douglas empieza a revelar que él es Hauser, un secreto miembro de la Agencia. Asustados, los miembros de la compañía implantadora de memorias deciden borrar los últimos recuerdos de Quaid.

Douglas no es, sin embargo, un hombre normal Él es un agente secreto que no teme matar y arriesgar su vida con tal de cumplir con la misión encargada. Pese a los esfuerzos de los manipuladores de recuerdos, Quaid termina recordando su identidad e iniciando una aventura que terminará con la salvación de Marte gracias a su arriesgada labor y a unas cuantos homicidios.

Hay una escena que sin embargo contradice esta lectura. En la mitad de la película, aparece el doctor Egerman (Roy Brocksmith) quien -al igual que Gérrard Barray en Abre los Ojos- le informa al personaje principal que la realidad que éste ha vivido es sólo un sueño. Para volver a la realidad, Quaid debe tomar una píldora (sí, igual que en The Matrix), sin embargo, una gota de sudor en el rostro de Egerman le convence que lo vivido no es un sueño, sino la realidad. Antes de morir, Egerman le cuenta a Quaid todos los hechos que sucederán en la película hasta su final ¿si lo vivido hasta ahora es sólo un sueño, cómo es posible que alguien pueda predecir con perfecta exactitud todo lo que luego sucederá en el filme?

Para quienes una gota de sudor no es suficiente argumento para diferenciar lo real de lo onírico, existe otra posible lectura de la película. Desafío Total puede leerse como la historia de un obrero que vivió una aventura inolvidable gracias al implante de memoria que le hicieran en una sofisticada agencia de sueños del futuro. El filme, de acuerdo a esta interpretación, es un viaje a través del subconsciente de un obrero que aspira ser un agente secreto.

Si Quaid realmente sueña, las escenas de él peleando y asesinando a su esposa (Sharon Stone) no son más que deseos reprimidos y no una absurda escena, apenas digna de uno de los previos filmes de Schwarzenegger. Los múltiples asesinatos de Quaid y las aburridas escenas en que él inverosímilmente escapa de decenas de redadas y engaños por parte de los policías de la agencia pueden entenderse como los recuerdos de lo que Quaid ha visto en el cine. En otras palabras, Desafío Total, no es más que las fantasiosas proyecciones del subconsciente de un obrero, ambientadas por las escenas de los pésimos filmes, estilo Schwarzenegger o Stallone, que Quaid ha sufrido a lo largo de su vida.

Verhoeven mismo parece favorecer esta interpretación; al final de la película, Quaid le dice a Melina (Rachel Ticotin) que le asalta un miedo, quizás todo lo vivido ha sido un sueño, pero él no quiere despertar. Incluso, el final, casi idéntico a muchos de las pesadillas que Quaid tenía antes de que le hicieran el transplante de memoria, sugiere que todo lo visto hasta ahora es sólo una fabricación de sus frustrados delirios de grandeza.

La estructura de la película contradice, sin embargo, la interpretación onírica. Nada en Desafío Total sugiere algo distinto a una narración en tercera persona en la que el director nos cuenta la realidad de lo sucedido en la vida de este obrero/agente del futuro. Casi la mitad del filme está hecha con base en información que Quaid jamás tuvo, en hechos que no podrían estar almacenados en la memoria del protagonista.

Es posible, sin embargo, evitar las contradicciones de las dos previas interpretaciones. Desafío Total puede interpretarse como una historia que nos recuerda que a más de trescientos años de las incertidumbres cartesianas, todavía hoy no contamos con argumentos suficientes para probar que nuestra realidad no es un sueño. Nosotros, los espectadores, jamás sabemos si Quaid sueña o no, si sus muertes son sólo parte de una repetida y casi obscena película o parte de una elaborada creación de su subconsciente.

Hay tres, al menos, posibles lecturas para Desafío Total. Es éste el principal triunfo de Verhoeven, usar el sueño del cine para recordarnos, una vez más, los límites de nuestras creencias.

Dirigida por Paul Verhoeven; Guión: Ronald Shusett, Dan O'Bannon y Gary Goldman, Inspirada en el cuento ''We Can Remember It for You Wholesale'' de Phillip K. Dick; director de fotografía, Jost Vacano; editor Frank J. Urioste; música de Jerry Goldsmith; producida por Buzz Feitshans y Mr. Shusett; Tri-Star Pictures. 116 minutos